Cátedra Especial Feria del libro

La editorial nos presenta sus títulos más destacados del momento

TRES TRISTES TIGRES

Guillermo Cabrera Infante

«Tres tristes tigres» es la novela más audaz del llamado «boom» hispanoamericano de los años sesenta, un hito esencial en la narrativa hispánica y una de sus mayores muestras en la tradición moderna y posmoderna. Publicada en 1967, año clave en la historia del «boom» —coincide con «Cien años de soledad»—, representa dentro de ese cuerpo de por sí experimental un experimento mayor con el lenguaje, con las estructuras narrativas y con la imaginación literaria. El texto escrito, según Cabrera Infante, “en cubano”, que no en español, se caracteriza por sus abundantes juegos de palabras que parten del relajo o humor típico del pueblo cubano. «Tres tristes tigres» es, en palabras de su autor, “una galería de voces, casi un museo del habla cubana, en la que generaciones por venir podrían oír hablar a sus ancestros”. Una recreación nostálgica de La Habana de 1958, y en especial de su vida nocturna. Un canto a la ciudad, que recrea y mitifica, rescribiendo la “historia” de la cultura habanera.

EL AÑO DEL WÓLFRAM

Raúl Guerra Garrido

«El año del wólfram», finalista del Premio Planeta en 1984, tuvo desde el momento de su publicación un fuerte impacto tanto en la crítica como en los lectores. Sorprendió la originalidad del tema y la fuerza narrativa. «El año del wólfram» es un buen ejemplo de la pluralidad temática y de la polifonía estilística de la narrativa de Raúl Guerra Garrido. La acción se desarrolla en la región leonesa de El Bierzo durante la primavera de 1945. El trasfondo histórico es la posguerra española y el final de la Segunda Guerra Mundial. El tema externo es la búsqueda y extracción del metal “precioso” del wólfram, codiciado tanto por americanos como por alemanes, y medio para alcanzar la seguridad material de unos habitantes que viven en medio de carencias y dificultades económicas y sociales. La obra desarrolla una situación límite en un momento crucial de la historia. El wólfram y sus circunstancias son un pretexto idóneo para profundizar en unas psicologías complejas y profundas.

MESTERES

Arcadio López-Casanova

Arcadio López-Casanova (Lugo, 1942), por su actitud lírica, cultural y lingüística de firme compromiso, puede ubicarse dentro de los poetas gallegos pertenecientes a la promoción de 1968, fecha muy connotada de lucha y espíritu de lucha. Los dos grandes ejes articuladores de «Mesteres» son la Tierra y el Exilio. La conflictiva relación del poeta con la Tierra —su sentimiento de posesión y desposesión, de atracción y rechazo, de amor y maldición, de arraigo y desarraigo— configura el concepto bisémico de exilio, que constituye el gran símbolo o parábola del libro.

LA MARIPOSA DE LATÓN

William Golding

A pesar de la enorme popularidad de «El señor de las moscas», su autor, William Golding, continúa siendo un desconocido para la mayoría de los lectores. Comúnmente se sabe que obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1983, y, aunque escribió doce novelas, un libro de relatos, dos volúmenes de ensayos, un peculiar diario de viajes, obras de teatro, artículos no compilados y un temprano libro de poemas, sigue siendo prácticamente el autor de un solo libro, uno de los clásicos por excelencia del siglo xx. «La mariposa de latón» es una adaptación teatral del relato de Golding “El enviado especial”. Ambientada en la Roma del siglo iii d.C. puede ser leída como una pieza de carácter satírico o como un relato de ciencia-ficción, pues presenta como posible la invención de tres artefactos extemporáneos: la máquina de vapor, los proyectiles y la imprenta. Una fábula divertida e ingeniosa, preñada de ironía y perspicacia, en la que se confrontan ciencia y religión y el choque entre el mundo antiguo y el moderno sirve como metáfora del progreso.

LAS AVENTURAS DE RODERICK RANDOM

Tobias Smollet

El escocés Tobias Smollett pertenece al grupo de novelistas británicos del siglo XVIII que contribuyeron al rápido desarrollo del género. «Roderick Random» forjó la fama del autor porque en ella supo plasmar con brillantez y con un tono muy personal determinados aspectos extraídos de su experiencia personal y de la historia contemporánea de Inglaterra, además de mostrar una voz propia como novelista y aportar ciertas novedades a la narrativa de ficción. Smollett necesitaba un género narrativo para dar forma a su primer relato de ficción y lo encontró en la novela picaresca. En él cuenta la lucha del individuo para sobrevivir en una sociedad corrupta y hostil, pero la lucha de Random, el protagonista, tiene otros objetivos que van más allá de la mera supervivencia: lucha por recuperar lo que considera que es legítimamente suyo y que le ha sido arrebatado desde el principio. «Roderick Random» es una narración picaresca que no lo es tanto y un relato supuestamente moralizante del que ni el propio protagonista aprende nada útil, salvo la constatación de que el mundo moderno es caótico, malvado y destructivo.

CULTURA Y ANARQUÍA

Matthew Arnold

El espejo victoriano de la historia nos ha mostrado una serie de autores sobre cuyos hombros parecía descansar la tarea de recuperar el legado de las Humanidades para su propia época. «Scholars» como Thomas Carlyle o John Ruskin o Matthew Arnold elaboraron, con diversa inspiración, un cuerpo de pensamientos en que la escritura de ensayo se convertiría en expresión del inconformismo moral y la idea de perfección. Poeta, inspector educativo, profesor de poesía y ensayista, Matthew Arnold (1822-1888) trataría de dar forma en «Cultura y anarquía» a una crítica de la sociedad sobre la base de dos conceptos, hebraísmo y helenismo, que han mantenido su fuerza de atracción sobre nuestra voluntad de comprender el sentido de la conducta humana. Los casi 150 años que han pasado desde que se publicó por vez primera «Cultura y anarquía» en forma de libro han convertido en un clásico de la literatura occidental y la teoría política una obra que entonces trataba de cuestiones modernas. Además del interés polémico suscitado por su publicación, la preocupación esencial de Arnold por la definición y pervivencia de la cultura se ha prolongado y ha adquirido nuevas facetas hasta nuestros días. Al asociarla, paradójicamente, a la anarquía o falta de gobierno, Arnold daría una inesperada dimensión política a su defensa de la cultura con la que han estado en deuda pensadores contemporáneos de la talla de Jacques Derrida o Edward Said.

LA MUERTE DE UN VIAJANTE

Arthur Miller

Quizá algo que nadie puede negarle a Arthur Miller es haber sido una de las grandes voces críticas del siglo XX, de los pocos que han sido consecuentes con la idea de que el teatro debe ser un lugar desde el que se remueven y azotan conciencias y se analiza la manera en que vivimos. Pero Miller nunca recurre a sermones y convierte siempre la “percepción moral” en forma dramática a través de personajes claramente individualizados. Testigo de excepción de hechos importantes del siglo XX, la Gran Depresión de los años 30, la Segunda Guerra Mundial, la Guerra Fría, el maccarthysmo, la guerra de Vietnam, el derrumbe del comunismo e incluso la caída de las Torres Gemelas, sobre todos ellos ha expresado su punto de vista desde la creación dramática o desde sus escritos teóricos o periodísticos. «La muerte de un viajante» está unánimemente considerada la obra cumbre de Arthur Miller. La fuerza de la historia reside tanto en lo que cuenta como en la manera de contarlo. La obra nos relata las últimas veinticuatro horas en la vida de un viajante de sesenta y tres años llamado Willy Loman, con un magistral retrato de unos personajes que, siendo portavoces de una época, son por encima de todo únicos y singulares, en una atmósfera onírica, inquietante y emotiva.

LOS GRANDES LÍRICOS DEL RENACIMIENTO ESPAÑOL

Varios autores

Cuando murió en 1458, el marqués de Santillana llevaba peleando veinte años con sus cuarenta y dos «Sonetos fechos al itálico modo», sin que apenas alguno consiguiera salir enderezado y airoso. Setenta y ocho años más tarde, cuando murió Garcilaso, dejaba cuarenta sonetos que pueden figurar sin rubor en la más exigente antología. ¿Qué había ocurrido entre 1458 y 1536? Pedro Salinas lo describe como «un hermoso cuento». El embajador veneciano Andrea Navagero, «perfecto ejemplo del caballero del Renacimiento», coincidió en Granada con Boscán. Hablaron. «Al español —dice Salinas—, el veneciano le parecía una especie de semidiós o de oráculo. Y Navagero aconsejó a Boscán que escribiera sonetos y otros poemas “al itálico modo” pero en castellano, lengua que consideraba muy adecuada para esas formas. Nada más: una conversación entre los mirtos de Granada, un consejo, es decir, una semilla sembrada en la mente de un poeta español. […] Garcilaso era un poeta toledano. Los grandes líricos del Renacimiento español es el cofre que guarda el mapa de aquel «hermoso cuento».

MEMORIAS DE ULTRATUMBA

François René de Chateaubriand

Las «Memorias de ultratumba» escritas a lo largo de treinta años abarcan casi un siglo de la historia de Francia. En ellas cabe ver los acontecimientos ocurridos bajo las luces declinantes del antiguo régimen en un castillo de Bretaña todavía feudal, hasta los sucesos que se inician al alba de la era democrática y contemporánea. Las «Memorias de ultratumba» son, sin duda, el poema épico de la modernidad, que va del hundimiento de un mundo al que su héroe pertenece por nacimiento («nací noble… y he aprovechado el azar de mi cuna, he conservado ese firme amor por la libertad que pertenece principalmente a la aristocracia, cuya última hora ha sonado»), al nacimiento de otro que le corresponde por su pensamiento y convicciones («demócrata por naturaleza, aristócrata por las costumbres»), alguien cuyos actos pertenecen a la ciudad antigua y los pensamientos a la nueva («los primeros proceden de mi deber; los segundos de mi naturaleza»). «Me he encontrado entre dos siglos, como la confluencia de dos ríos; me he sumergido en aguas turbulentas, alejándome con pena de la antigua orilla en la que nací, nadando con esperanza hacia una orilla desconocida». Ese lugar social y temporal constituido por la confluencia de dos ríos y localizado entre la pena y la esperanza, desde el que se mira una y otra orilla, es propiamente el de Chateaubriand.

AVATARES DEL QUIJOTE EN EUROPA

Varios autores

Durante los más de cuatrocientos años transcurridos desde su aparición, el «Quijote» se ha traducido a numerosas lenguas de manera íntegra o abreviada, con continuaciones, acortamientos o adaptaciones diversas destinadas, por ejemplo, a un público infantil y juvenil. Todos estos «avatares» han hecho de ella una obra poliédrica cuyos planos y ángulos han sido ampliamente analizados desde distintas perspectivas. Este estudio bibliográfico aspira a ofrecer un panorama lo más exhaustivo posible de las traducciones y de las ediciones del libro aparecidas en Europa para rendir homenaje a cuantos han mantenido viva en nuestro continente la obra más conocida de Cervantes. A la manera de un catálogo, este volumen se propone ilustrar el recorrido europeo del «Quijote» y sus «avatares»: la reencarnación del libro en cada una de sus traducciones y la transformación dinámica en sus adaptaciones y traslaciones a lenguas y culturas diversas.

JULIO MEDEM

Zigor Etxebeste

Julio Medem dijo en un momento dado que sus películas hablan mucho de sí mismo, pero que “siempre tengo a mano el camuflaje de la ficción, que me permite irme más lejos que en mi realidad”. Ése es, seguramente, el tema por antonomasia de su cine y prácticamente lo que lo define, un mundo de imágenes y sonidos repleto de fantasía, fabulación, imaginación y ensoñación, que se hallan siempre “a mano”. Así pues, el cine de Julio Medem es pura creación, pero un tipo de creación que pone en cuestión muchos aspectos de la realidad que nos rodea. Sus largometrajes se inscriben dentro de un contexto concreto del cine español (desde principios de los 90 a nuestros días) extremadamen­te propicio para este tipo de propues­tas, en muchos ca­sos arriesgadas, cuyo camino se alejó casi definitivamente de la, en ocasiones, demasiado en­corsetada opción que poblaba las imágenes del cine estatal de aquella época.

BIBLIOTECA DEL CINE ESPAÑOL

Varios autores

Desde sus orígenes fundacionales, a finales del siglo XIX, hasta su realidad en el presente, a comienzos del XXI, una parte decisiva y con frecuencia harto reveladora del cine español ha mantenido siempre nutritivas raíces hundidas en la producción literaria que alimenta numerosas parcelas y ámbitos sustanciales de su creatividad fílmica. La tarea de rastrear y localizar esas raíces, sacarlas a la luz, expurgar la maleza que con frecuencia las ha recubierto —e incluso adulterado— durante años y años, documentarlas adecuadamente y proponer una catalogación de éstas es el empeño de la presente publicación, concebida para levantar acta de la Biblioteca de referencia que se oculta, o que mantiene sus cimientos, bajo centenares y centenares de películas. A diferencia de otros trabajos que la preceden con parecidos o equivalentes objetivos, esta «Biblioteca del cine español» no es una radiografía de las relaciones entre el cine español y la literatura española, sino de los vínculos creativos que mantiene el cine español con todas las formas literarias (directas o paralelas) que alimentan nuestro cine, provengan éstas de donde provengan, pertenezcan a un género o a otro, cualquiera que sea el idioma en el que se expresen o el país en el que tengan origen

CINE Y GÉNERO EN ESPAÑA

Varios autores

Vivimos en sociedades que han proclamado desde hace tiempo, además del derecho a la igualdad entre mujeres y hombres, su compromiso para que este derecho sea real y efectivo; sin embargo, en pleno siglo XXI, todavía se siguen observando discursos y prácticas sociales que ponen sin pudor en entredicho este principio igualitarista, base de toda democracia. De manera genérica, el campo de la cinematografía española es uno de esos casos. Sus indicadores sociales muestran resistencias al reconocimiento de la equidad de género. Éste es el momento de conocer, a través de los ocho capítulos que componen este libro, el estado de la cuestión, el resultado de las investigaciones coordinadas bajo el común denominador de hacer visible, con todo rigor científico, la desigualdad efectiva de mujeres y varones en la cinematografía española.

MASCULINIDADES EN TELA DE JUICIO

Nerea Aresti

Este libro aborda el estudio de las transformaciones de la masculinidad, entendida como construcción cultural, durante las primeras décadas del siglo XX. Nerea Aresti se acerca a estos cambios analizando una serie de procesos judiciales relacionados con diversos casos criminales. Estos casos, el debate social que generaron y la proliferación discursiva que los acompañó, sirven para investigar las identidades de género y la evolución de lo que fue considerado comportamiento legítimo e ilegítimo en un hombre. El trabajo parte de la idea de que los cambios en el significado de la masculinidad resultan decisivos para la vida de las mujeres, de forma que el estudio se inscribe en un proyecto de historia feminista. Los modelos de virilidad, además, no se construyen únicamente en oposición a la feminidad, sino también a otros hombres, quienes, por sus actos, su aspecto o su sexualidad, marcaron los límites externos de la masculinidad normativa.

LA MÍSTICA DE LA FEMINIDAD

Betty Friedan

«La mística de la feminidad» es un clásico del pensamiento feminista que se publicó originalmente en Estados Unidos en 1963. Se trata sobre todo de un libro de investigación respaldado por un abundante trabajo descriptivo, y sólo como consecuencia de esto se acaba convirtiendo en un libro militante, lo que lo aproxima al otro gran clásico del siglo XX, «El segundo sexo», de Simone de Beauvoir. Friedan llama “mística de la feminidad” a esa imagen de lo “esencialmente femenino”, eso de lo que hablan y a lo que se dirigen las revistas para mujeres, la publicidad y los libros de autoayuda. Es una horma moral, fabricada en esos años, en la que se pretende, como en un lecho de Procusto, hacer vivir a todas las mujeres. Es algo inauténtico que, si se intenta llevar a cabo, produce consecuencias cada vez más graves. Comienza por un difuso malestar y termina por producir enfermedades verdaderas. Precisamente el libro comienza con un capítulo titulado “El malestar que no tiene nombre”. Estamos ante un libro extraordinariamente influyente que ha resultado ser decisivo en el acompañamiento de uno de los cambios sociales más determinantes del siglo xx: la posición y autoconciencia de las mujeres como grupo.

LA BATALLA DEL WOLFRAMIO

Joan Maria Thomás

El lector tiene en sus manos un estudio sobre las relaciones de Estados Unidos con la España de Franco durante los años en que Norteamérica participó en la Segunda Guerra Mundial, es decir, entre el 8 de diciembre de 1941 y el 14 de agosto de 1945. Incluye, además, un epílogo que alcanza hasta 1947, año del inicio de la Guerra Fría. La llamada Batalla del Wolframio fue la más importante de la guerra económica librada por los aliados y los nazis en la Península Ibérica. Y es que el mineral estratégico en cuestión era vital para Alemania. Como le dijo el embajador de ese país al ministro de Industria y Comercio español Demetrio Carceller en marzo de 1943, “para nosotros el wolframio es prácticamente lo que la sangre para el hombre”. El progresivo endurecimiento de la política norteamericana hacia el Régimen franquista llegó a su clímax con el embargo de la venta de productos petrolíferos estadounidenses a España, lo que provocó fuertes tensiones diplomáticas e importantes discrepancias dentro del propio gobierno de Franco.

LA QUIMERA DEL AUTÓMATA MATEMÁTICO

Varios autores

Una innovación no es un hecho aislado, sino que viene acompañada de cambios intelectuales y sociales significativos. La historia que aquí se relata relaciona por primera vez fenómenos de gran relevancia para entender el mundo de la computación de otras épocas. Se examinan los variados recursos técnico-matemáticos que se crearon en la Europa medieval y moderna según los ideales de racionalidad vigentes y los intereses políticos y económicos. E igualmente se analiza la tentativa de sustitución de esos métodos por dos ingenios excepcionales, concebidos por el matemático e inventor inglés Charles Babbage en el período de la Revolución Industrial. La mecanización de la mente no era ya una realidad lejana. Personas provistas de habilidades o de instrumentos organizadas convenientemente, máquinas aritméticas de variada naturaleza y tablas de datos eran los elementos que debían simularse mecánicamente. Los intensos debates que estos propósitos provocaron, en los que participaron personajes como E. A. Poe y Ada Byron, la hija de Lord Byron, ofrecen, como se comprueba en la lectura de la obra, una medida del alcance social de los proyectos de Babbage. Pero igualmente esos resultados condicionaron la cultura de la computación mecánica hasta la Segunda Guerra Mundial, momento en el que se inicia la etapa en la que nos encontramos actualmente.

ANDREI TARKOVSKI

Carlos Tejeda

Quizá Andrei Tarkovski haya sido uno de los últimos románticos. Sus películas son representaciones del hombre frente a la inmensidad de la naturaleza. Como en las del pintor Caspar David Friedrich. Reflejos de un humanista que quiso o sintió la necesidad de ahondar en el enigma de la existencia y que se materializaron en siete exploraciones sobre la conciencia humana. Y al mismo tiempo títulos con los que trató de elevar el cine a la categoría de arte. Siete recorridos físicos, pero también psíquicos. Los de unos individuos en estado de crisis que adquieren la condición de seres errantes. Porque el itinerario es el único medio para hallar alguna certeza, si es que la hay, que alivie sus conflictos internos. De ahí la estructura de este estudio, a modo de crónica de viaje, de una espiral concebida desde la sugerencia, desde la insinuación, incluso desde el juego, sin pretender establecer verdades categóricas. Porque en el arte sólo existe la verdad del creador que, después, cada uno interpretará a su manera. Como lo hará con este libro.